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Quel est le rôle de la musique dans la société ?

Quel est le rôle de la musique dans la société ?

Les chansons sont tellement puissantes : elles peuvent nous rassurer, nous apaiser, nous inspirer et nous éduquer — et ce n’est que pour commencer. L’une des raisons à cela est peut-être parce qu’elles sont interprétées par de vraies personnes, des échecs humains et tout, c’est pourquoi la lecture de paroles sur papier ne s’additionnera jamais. Les chansons ont toujours été un miroir du monde, reflétant ce qui se passe autour de nous, et, sans doute, la musique change la société comme aucune autre forme d’art.

Traditionnellement, les chansons étaient transmises de génération en génération en étant chantées, comme les histoires orales. Au XXe siècle, cependant, les progrès technologiques ont rapidement réduit le monde et, grâce à un équipement audio bon marché et largement disponible, les chansons ont soudainement pu être distribuées à une plus grande échelle.

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Peu de temps après, les disques sont devenus des agents de la révolution musicale. Avant la mise à disposition des enregistrements audio haute fidélité, vous disposez a dû vivre à proximité de l’opéra — et pouvoir se permettre de le visiter — pour écouter de la musique qui change le monde. De même, en grandissant au Royaume-Uni, par exemple, vous n’auriez jamais entendu le blues tel qu’il était censé être chanté. L’avènement de la technologie d’enregistrement a changé cette situation, élargissant considérablement les horizons musicaux des gens. Aujourd’hui, de puissants spirituels étaient enregistrés et distribués largement et rapidement, permettant aux chanteurs de partager leurs expériences avec un public toujours croissant, tissant des liens émotionnels avec les auditeurs d’une manière que les partitions trouvaient impossibles. Les chansons pourraient façonner les auditeurs de nouvelles façons, remettre en question les idées préconçues des gens sur le monde, mettre en lumière des choses dont on ne parlait pas dans les nouvelles du jour.

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« Une déclaration de guerre »

L’impact de la version 1939 de Billie Holiday de « Strange Fruit » d’Abel Meeropol est un parfait exemple de la capacité de la musique à changer la société. Le producteur de disques et co-fondateur d’Atlantic Records, Ahmet Ertegun, l’a appelé « une déclaration de guerre… le début du mouvement des droits civiques ». Jusqu’à la fin des années 30, la musique n’avait pas directement abordé les problèmes du racisme et de la ségrégation aux États-Unis. Les salles étaient séparées, avec des musiciens noirs célèbres tels que Louis Armstrong étiquetés comme « Oncle Toms », suggérant qu’ils ne joueraient que pour un public blanc, là où l’argent était vraiment.

Le premier lieu à intégrer publiquement des musiciens a été le Café Society de New York. Selon le propriétaire de l’époque, Barney Joseph : « Je voulais un club où les Noirs et les Blancs travaillaient ensemble derrière les lampadaires et s’asseyaient ensemble devant. Pour autant que je sache, il n’y avait pas d’endroit pareil à New York ou dans tout le pays. » Toujours est-il que lorsque Holiday a interprété pour la première fois « Strange Fruit » sur l’insistance de Joseph, elle avait peur. La chanson était une description brute d’une carte postale que Meeropol avait vue de corps noirs suspendus à un arbre après un lynchage. À l’époque, la chanson populaire n’était pas un lieu pour des vérités aussi brutales, et Holiday aurait été très conscient des ennuis que cela pouvait créer. Elle décrira plus tard ce qui s’est passé la première fois qu’elle l’a chanté dans son autobiographie : « Il n’y a même pas eu un tapage d’applaudissements quand j’ai fini. Puis une personne seule a commencé à applaudir nerveusement. Tout d’un coup, tout le monde applaudissait. »

La chanson s’est vendue à plus d’un million d’exemplaires lorsqu’elle a finalement été publiée par Holiday, et qui sait combien de cœurs et d’esprits elle a changé ? L’indice de sa puissance pourrait se trouver dans la façon dont les paroles décrivent simplement la scène : elles sont présentées à l’auditeur pour qu’il puisse la prendre à sa juste valeur. Sans suggérer de solutions ni même présumer informer de l’ampleur du problème, « Strange Fruit » ne fait que susciter un sentiment de dégoût et de profonde tristesse. Les personnes touchées par la chanson ont ensuite défilé ensemble pour soutenir Martin Luther King, Jr, et leurs petits-enfants ont fait de même pour le mouvement Black Lives Matter. Il a eu un impact énorme sur la façon dont les gens J’ai pensé à la course.

Briser les barrières

ségrégation et le racisme institutionnalisé ont provoqué un profond fossé dans la société américaine qui se poursuit encore aujourd’hui, mais la musique a toujours été au premier plan lorsqu’il s’agissait de changer. Le chef d’orchestre de l’ère Swing-era Benny Goodman est entré dans l’histoire en accédant à la scène sacrée du Carnegie Hall de New York, le 16 janvier 1938. Non seulement le spectacle était remarquable pour être la première fois que du vrai jazz, dans toute sa gloire improvisée et bruyante, avait été joué dans ce lieu prestigieux, donnant ainsi à la musique une véritable cache culturelle, mais le groupe de Goodman était intégré racialement. Le fait qu’il soit inhabituel pour un groupe de jazz de présenter des musiciens noirs semble absurde aux sensibilités modernes, mais à l’époque, les salles de concert dites « européennes » dominaient le jazz. Il était propre, symphonique, très blanc et un rapport lointain avec le jazz passionnant lancé par des artistes comme Sidney Bechet et Duke Ellington La . La réaction du public face au long guichets fermés Le concert était extatique, brisant les barrières pour les artistes noirs.

Bien qu’il fût fallu attendre 1964 aux politiciens pour abolir les lois Jim Crow (lois étatiques et locales qui imposaient la ségrégation sociale dans les États du sud des États-Unis), les musiciens se souciaient davantage des compétences et du caractère d’un individu que de la couleur de leur peau. Dans les années 50, le pianiste de jazz blanc Dave Brubeck a ignoré à plusieurs reprises la pression des promoteurs de concerts à travers les États-Unis pour remplacer le bassiste noir dans son quatuor, Eugene Wright. Brubeck a non seulement fait savoir publiquement qu’il ne ferait rien de tel, mais a insisté pour que Wright partage les mêmes installations que ses camarades de bande musiciens et a refusé de se produire devant un public ségrégé.

Et puis, il y a le Booker T & The MG, qui a énormément d’influence. En tant que groupe house de Stax Records, le groupe a soutenu Otis Redding , Wilson Pickett, Sam & Dave et Carla Thomas, parmi d’innombrables autres. Mais de nombreux auditeurs auraient J’ai été surpris d’apprendre qu’un groupe aussi émouvant était réparti uniformément entre les membres noirs et blancs.

Les MG étaient comme leur label en microcosme : les fondateurs de Stax, deux frères et sœurs blancs appelés Jim Stewart et Estelle Axton, avaient, en 1957, installé le label dans un quartier majoritairement noir de Memphis, cherchant à signer n’importe quel artiste avec le bon son, quelle que soit la couleur de peau — un geste audacieux dans un ville ségrégée. Tous les musiciens qui ont formé Booker T & The MGs avaient fréquenté des écoles séparées et, à l’époque de leur single à succès de 1962, « Green Onions » , n’auraient même pas pu s’asseoir ensemble dans un restaurant de Memphis. Pourtant, ils ont montré à l’Amérique que la musique avait le pouvoir de rassembler les gens, et ils ont défié les préjugés partout où ils jouaient. Plusieurs années plus tard, Sly And The Family Stone a repris le modèle métisse de The MGS et a haussé la barre en devenant l’un des premiers groupes mixtes et mixtes, trouver un énorme succès avec simple tel comme « Dance To The Music » et leur hymne pour l’égalité « Everyday People ».

Marchez avec un peu plus de fierté

L’avènement de la télévision a rendu la musique pop encore plus puissante. Il y avait quelque chose d’encore plus palpitant à voir des chansons interprétées en chair et en os, et les artistes ont reconnu le potentiel du médium pour remettre en question les perceptions du public. Prenons par exemple l’émission régulière de Dusty Springfield à la télévision de la BBC au Royaume-Uni. Springfield n’était que trop consciente qu’en tant qu’artiste blanche fortement influencée par la musique noire, elle avait une sorte de dette à payer, et insistait pour que son spectacle mettait en vedette des musiciens noirs. C’était un geste audacieux à l’époque, surtout si l’on considère que Dusty était un programme grand public diffusant dans des régions du Royaume-Uni qui auraient été majoritairement blanches. Le fait de voir ces artistes vénérés à la télévision nationale aurait toutefois eu un impact considérable sur le public.

Aux États-Unis, Motown, un autre label soul daltonien, a lancé son propre assaut à la télévision. Oprah Winfrey a parlé de l’impact de voir The Supremes à l’émission The Ed Sullivan Show — manquant une grande partie de la performance alors qu’elle téléphonait à des amis pour leur dire que « les Noirs sont à la télévision ». Pour les enfants afro-américains en 1969, voir le jeune Jackson 5 entrer dans votre maison, c’était comme regarder vos camarades de classe mettre les pieds dans des endroits dont vous ne pouviez que rêver. Soudain, le succès ne semble pas totalement irréalisable. Michael Jackson a l’air mouton, même, alors qu’il présente « I Want You Back » sur Ed Sullivan, mais une fois que ça commence, il est totalement convaincant en tant que pop star — à peu près la chose la plus importante qu’une personne pourrait être à la fin des années 60.

S’effondrant dans un simulacre d’angoisse, comme si son cœur de dix ans avait en quelque sorte hérité de la souche d’une divorcée d’âge moyen et bouclait au poids émotionnel de celui-ci, le jeune Jackson brûle à peu près un trou dans le sol du studio de télévision avec ses mouvements de danse. Et son flamboyant le costume comprend un chapeau violet et de longs cols pointus — mais qu’en est-il ? La chanson qu’il chante n’est pas à distance politique dans le sujet — il chante doucement de chagrin d’amour, la rend attrayante, même — mais elle change tout : la façon dont vous vous voyez vous-même, votre famille, vos amis. Ce gamin est une star. Le voir déclenche une réaction en chaîne de friture quasi synapse de pensées : tout est possible ; les rues ont l’air en quelque sorte différentes quand vous sortez ; vous commencez à marcher avec un peu plus de fierté.

Faites entendre votre voix

La musique pop a la capacité d’encourager les individus à réfléchir à leur destination dans le monde, à éclairer les décisions qu’ils prennent et à aider à se forger une identité. Mais si la musique peut être consommée dans la solitude, en s’emparant de l’imagination lorsque vous écoutez dans la chambre et au casque, elle a un effet unificateur. Un individu touché par la musique n’est pas isolé. Ils font partie des millions de personnes touchées par ces moments, ce qui a un effet énorme. sur la société.

Le label qui a vraiment fait le plus pour montrer comment la musique pouvait changer les choses est Motown. Lancé en 1959 avec un prêt de 8 000$, le fondateur de Motown, Berry Gordy, a été le premier Afro-Américain à diriger une maison de disques. Cela aurait suffi à lui valoir une place dans les livres d’histoire, mais la musique et les stars qui ont émergé de sous son œil attentif sont venues dominer la musique américaine au cours des prochaines décennies — en effet, la mode « The Sound Of Young America » — la prenant dans le monde entier et donnant aux artistes noirs des opportunités qui, juste il y a quelques années, aurait été considéré comme profondément fantaisiste.

Les artistes de Gordy ont produit une pop irrésistible et émouvante qui a séduit partout et qui continue de résonner à ce jour. Stevie Wonder, The Supremes, Marvin Gaye, Smokey Robinson, Jackson 5, Gladys Knight & The Pips, The Temptations … leurs chansons ont conquis les cœurs du monde entier et ont un bien inestimable pour ouvrir les esprits fermés à l’idée que les musiciens afro-américains méritaient autant d’attention que leurs homologues blancs. Les deux minutes et 36 secondes de la confection pop parfaite de The Supremes, « Baby Love », pourraient bien avoir fait plus de bien que des années de campagne pour les droits civiques — oui, la musique est si puissante.

fur et à mesure que ses artistes ont mûri, Motown a sorti une musique qui allait au-delà de la pop : What’s Going On de Marvin Gaye, Innervisions de Stevie Wonder, « Papa Was A Rolling Stone » de The Temptations — tous étaient considérés comme des déclarations de conscience sociale et de fierté noire qui reflétaient le travail de contemporains tels que Curtis Mayfield, James Brown, Sly Stone et Isaac Hayes Au . Le travail révolutionnaire de cette génération d’artistes noirs a été poursuivi par des artistes comme Gil Scott-Heron, Funkadelic et Parliament, qui ont mené au hip-hop. Et les répercussions se font encore sentir aujourd’hui : le R&B et le hip-hop ont été dynamisé par le mouvement Black Lives Matter et vice versa.

Des artistes tels que Kendrick Lamar et Solange, D’Angelo, Beyoncé, Blood Orange et Common , entre autres, ont sorti ces dernières années des albums qui ont abordé de front la lutte de l’Amérique contre les relations raciales. Et en accord avec la nature complexe et multiforme du problème, les chansons se présentent sous de nombreuses formes différentes, allant de l’auto-examen tourmenté de « The Blacker The Berry » de Kendrick Lamar (de To Pimp A Butterfly de 2015, qui incluait également l’hymne authentique du mouvement dans le provocant « Alright ») à la demande éloquente de Solange que sa culture soit respectée : « Don’t Touch My Hair » (extrait de A Seat At The Table de 2016).

Les stars ont également exploité le pouvoir de la vidéo pour raconter leur histoire, Beyonce’s Lemonade était en fait une expression de l’expérience de la femme noire en Amérique, tout au long de l’album, et « album visuel » n’a pas eu de coups de poing. Dans le clip de « Forward », les mères de Trayvon Martin, Eric Garner et Michael Brown — les jeunes hommes noirs dont la mort a lancé le mouvement Black Lives Matter — sont vues tenant des photos de leurs fils, tandis que la vidéo de « Formation » est un commentaire sur la brutalité policière, l’amour de soi, la dévastation causée par l’ouragan Katrina et Black Wealth.

Tout aussi dépendant de l’imagerie provocante et du symbolisme, le clip génial du single de Childish Gambino en 2018, « This Is America », qui se concentre sur les thèmes de la violence armée et sur la façon dont la culture noire est souvent cooptée par le public blanc pour des divertissements de masse. La clé ici est que tous ces succès ont été massifs ; les artistes en question produisent des œuvres radicales qui communiquent avec un public de masse, montrant que la musique n’a rien perdu de son pouvoir de favoriser le changement.

Je ne vous appartiens pas

La musique a également fait d’énormes progrès en faveur de l’égalité des sexes. Les choses ne se passent pas. signifie parfait — les femmes des groupes sont encore parfois traitées comme une nouveauté dont la capacité musicale est surprise. Mais il existe une longue histoire de chansons qui défendent les droits des femmes.

En 1963, le message de Lesley Gore « You Don’t Own Me » a choqué beaucoup. Bien que la chanson ait été écrite par deux hommes, Gore l’a livrée avec un tel sass qu’elle en était propriétaire. Elle a dit plus tard : « Quand j’ai entendu cette chanson pour la première fois à l’âge de 16 ou 17 ans, le féminisme n’était pas encore tout à fait une proposition en cours. Certaines personnes en ont parlé, mais il n’était pas dans un état quelconque à l’époque. Mon point de vue sur cette chanson était : « J’ai 17 ans, quelle chose merveilleuse, de pouvoir me lever sur une scène, secouer les gens et chanter « Tu ne m’appartiens pas ». »

L’esprit de Gore a vécu à travers toutes les femmes qui ont décidé qu’elles ne se laisseraient pas dire quoi faire par les hommes, d’Aretha qui a réutilisé (et finalement possédé) le « Respect » d’Otis Redding, aux formidables comme The Slots, Bikini Kill, Sleater-Kinney et Le Tigre, à la pop inspirante des Spice Girls et Destiny’s Child.

Tout comme l’enfant regardant Michael Jackson en 1969, imaginez des filles du monde entier regardant les Spice Girls se déchaîner dans un manoir poussiéreux pour la vidéo « Wannabe » en 1996 – sauter périlleux à travers les desserts, faire rougir des vieillards snooty ; chanter une chanson sur l’amitié féminine et l’autonomisation ils avaient écrit. Des gens comme « Wannabe » ont eu pour effet de rendre les femmes du monde entier plus déterminées à ne pas être ignorées. C’est un esprit qui est illustré par des personnalités comme Lorde, Taylor Swift , Grimes et St Vincent, des femmes puissantes qui s’emparent d’un contrôle créatif total et qui orientent l’industrie (et la société) à leur vision.

Les paradigmes de leur âge

Bien que la musique ait joué un rôle essentiel dans le changement des attitudes à l’égard de la race et du sexisme aux États-Unis, elle a remis en question le statu quo ailleurs de bien des façons différentes. Le impact of The Beatles est un parfait exemple du pouvoir transformateur de la musique pop. Il faut respirer profondément avant d’énumérer les façons dont leur musique a contribué à changer la société : gagner leur propre générique d’écriture de chansons ; apporter des accents régionaux dans la culture populaire ; leur plaisir absolu pour l’irrévérence ; leurs coupes de cheveux ; leur emprise sur les fans hurlants ; leur vulgarisation des idées ésotériques et cultures étrangères…

Allen Ginsberg a déjà fait remarquer qu’ils représentaient « le paradigme de l’époque », et il est facile de comprendre pourquoi. Les années 60 ont basculé au rythme des Beatles. Leur influence était omniprésente. Lorsque John Lennon a chanté « Lucy In The Sky With Diamonds » et que les fans l’ont pris comme une référence au LSD, des générations de consommation de drogues récréatives ont été affectées. Lorsque sa célèbre interview affirmant que les Beatles étaient « plus populaires que Jésus » (partie d’un argument plus large sur l’influence décroissante de la religion) a été portée à l’attention du public américain, il a déchaîné des quantités incroyables de vitriol — mais sans doute allumé beaucoup d’ampoules dans la tête de ses fans.

Les Beatles — et les années 60 dans leur ensemble — ont encouragé les gens à penser en dehors de la norme et à remettre en question la sagesse acceptée, ce qui a depuis fait partie intégrante de la façon dont la musique change la société. Le mouvement punk en est un exemple frappant. Il n’a pas fallu longtemps à la presse britannique pour réduire un mouvement créatif de jeunesse à la caricature de tabloïd, mais le postulat central du mouvement punk bricolage — que vous n’avez pas besoin d’une maison de disques, ni même de talent musical pour vous faire entendre et faire entendre vos opinions — a eu un impact considérable sur la société. Le premier EP de Buzzcocks, Spiral Scratch, n’était même pas de nature particulièrement politique, mais le fait qu’ils l’aient sorti eux-mêmes, démystifiant le processus de sortie de la musique, en a fait l’un des disques les plus influents de son époque, inspirant par inadvertance des générations d’artistes.

Devenir plus fluide

En effet, l’une des choses que fait la musique pop, que ce soit par design ou non, est de refléter les idées et les modes de vie de personnes créatives, intéressantes et avant-gardistes, en les faisant entrer dans le courant dominant, que ce soit par le biais d’un refrain accrocheur, d’un rythme contagieux ou d’un gadget audacieux. Il s’agit simplement de l’agent de changement qui agit à jeun sur la société ; une chanson a la capacité de renverser le statu quo.

De même, une chanson peut s’adresser à un groupe de personnes opprimées. Un peu comme « Glad To Be Gay », une chanson de 1978 du Tom Robinson Band qui traitait des attitudes du public envers l’homosexualité en les rencontrant de front dans un spectacle de défi. Considérant que si peu de chansons pop avaient traité explicitement du sujet jusqu’à ce moment (bien que beaucoup aient offert des célébrations voilées, de « You’re The Top » de Cole Porter à « Tutti Frutti » de Little Richard, tandis que la performance Top Of The Pops de « Starman » de David Bowie comprenait un geste qui a permis à presque tous les jeunes homosexuels qui en ont été témoins), et que l’homosexualité au Royaume-Uni n’avait été dépénalisée qu’en 1967, c’est une chanson extraordinairement courageuse qui aurait aidé tant de gens. Depuis, les choses se sont améliorées et la culture gay est devenue une partie beaucoup plus acceptée du grand public, la musique étant un canal énorme qui permet cela.

Alors que les attitudes envers la sexualité deviennent de plus en plus fluides, les musiciens sont à nouveau au premier plan, tout comme ils l’étaient dans les années 80, lorsque des provocateurs sexuels tels que Prince et Madonna ont introduit une approche plus libérale de la sexualité dans le courant dominant. À la veille de la sortie de son premier album proprement dit, la sensation R&B Frank Ocean, actuellement l’un des musiciens les plus influents de la planète, a posté une courte note sur son Tumblr qui faisait allusion à des relations avec des hommes et des femmes. L’album lui-même, Channel Orange, et sa suite, Blonde, explorent un territoire lyrique similaire. Son ex-ODD Le futur compagnon de bande, Tyler, The Creator, a emboîté le pas avant la sortie de son album de 2017, Flower Boy, et a reçu un soutien écrasant. Ces deux artistes publient de la musique dans des genres traditionnellement hostiles à l’homosexualité, mais ils ont été assez forts d’esprit pour changer cela.

Comme pour les révolutions de race et de genre du passé, la musique est une fois de plus au premier plan du discours contemporain. Des artistes francs comme Anohni et Christine & The Queens, jusqu’aux provocateurs traditionnels tels que Lady Gaga , sensibilisent à la fluidité des genres, atteignent le public et brisent les idées préconçues. Tout comme la musique l’a toujours fait — et le fera toujours.

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